Andrea Pazienza. Non sempre si muore

Un’energia persistente continua a risuonare, a distanza di decenni. È quanto si percepisce nelle sale del MAXXI di Roma, dove la mostra dedicata ad Andrea Pazienza conferma, con autorevolezza, il ruolo dell’autore tra i massimi geni del fumetto e della cultura visiva contemporanea.  

L’esposizione, curata con estrema precisione, si impone per intensità emotiva e impatto visivo. L’osservazione delle tavole originali rivela un tratto capace di oscillare con rapidità tra una linearità raffinata e un caos barocco, dissacrante e ferocemente espressivo.  

Pazienza non è stato soltanto un disegnatore di eccezionale talento: ha agito come un sismografo delle tensioni, delle disillusioni e dei fermenti degli anni Settanta e Ottanta, con una lucidità sorprendente. La visita alle sezioni della mostra evidenzia la straordinaria attualità del suo linguaggio: le sue opere si impongono con la sfrontatezza e la qualità di un’espressione priva di compromessi.  

Per gli appassionati del fumetto d’autore, per chi ha apprezzato i volumi di Pentothal, Zanardi o le satire di Cannibale e Frigidaire, la mostra rappresenta un appuntamento imprescindibile. Per chi invece, magari per motivi anagrafici, non conoscesse ancora la sua incredibile produzione, costituisce un’occasione ideale per confrontarsi con un’opera di straordinaria forza. L’esposizione, prorogata fino al 18 ottobre, merita di essere visitata (anche più volte, aggiungo).

Lontano Lontano

Lontano Lontano è una di quelle perle rare del cinema italiano contemporaneo: un film che sa essere garbato, sottile e incredibilmente umano. Diretto e interpretato da Gianni Di Gregorio, insieme agli straordinari Giorgio Colangeli e al compianto Ennio Fantastichini — in quella che si è rivelata la sua ultima, indimenticabile interpretazione — il film regala una storia semplice solo in apparenza, capace di riscaldare il cuore e far riflettere con straordinaria leggerezza.

La trama segue le vicende di tre anziani romani che, scoraggiati dalle risicate pensioni e dalla routine di tutti i giorni, accarezzano l'idea di mollare tutto e trasferirsi all'estero per godersi la vecchiaia in un paese dove la vita costa meno. Ma tra un bicchiere di vino, un incontro imprevisto e le dinamiche quotidiane del quartiere, i tre scopriranno che il significato del loro viaggio ha sfumature ben diverse da quelle che avevano immaginato.

Libri da leggere a ottobre

«Un libro è come un giardino, una serra, un magazzino, una festa, un compagno nel cammino, un consigliere, una moltitudine di consiglieri»

(Henry Ward Beecher)

Che ci piaccia o meno, l’autunno è arrivato, a dispetto delle temperature ancora miti. Le giornate però si accorciano inesorabili e la voglia di accoccolarsi da qualche parte con una buona storia diventerà presto irresistibile, vedrete.

Se anche voi state cercando il compagno di lettura perfetto per questo mese, ho una buona notizia: è online la nuova puntata della rubrica di libri consigliati. 

Per questo ottobre ho messo insieme una selezione che profuma di pagine vissute, sguardi sul presente e fughe altrove. Niente spoiler sui titoli, vi lascio il gusto di scoprirli sfogliando l'articolo, ma vi prometto che ce n'è per tutti i gusti (e per tutti i comodini).

Curiosi di scoprire cosa c'è nella lista di questo mese? Ebbene, trovate tutto qui, nella nuova puntata della rubrica.

Vivarium, quando l'acquisto della casa sconfina nell'incubo

Vivarium è un film che conquista fin dai primi minuti grazie a una premessa tanto surreale quanto intrigante: una giovane coppia, interpretata da Jesse Eisenberg e Imogen Poots, si ritrova suo malgrado intrappolata in un quartiere residenziale infinito, fatto di case tutte uguali, con l'ordine inquietante di "crescere un bambino" per poter ottenere la libertà.

L'idea di fondo è indubbiamente il punto di forza dell'opera. Il regista Lorcan Finnegan impacchetta una brillante satira sociale sulle trappole della vita borghese, il conformismo e le ansie genitoriali, trasformando il sogno americano dell'acquisto della prima casa in un incubo claustrofobico a cielo aperto. 

La regia, pulita e a tratti disturbante, unita a una storia intrisa di un mistero fantascientifico a tratti kafkiano, ricorda da vicino le atmosfere di certi lavori recenti di M. Night Shyamalan: c'è quell'incipit ad alto concetto, quella tensione costante e quella sensazione che dietro ogni dettaglio visivo si nasconda un metaforico "colpo di scena" esistenziale.

Tuttavia il film fatica a mantenere la stessa carica lungo tutta la sua durata. Una volta stabilite le regole di questo strano e opprimente universo, lo svolgimento della trama diventa fin troppo statico e ripetitivo. Le azioni dei protagonisti finiscono per incanalarsi in una routine circolare che, se da un lato riflette efficacemente il senso di alienazione dei personaggi, dall'altro rischia di fiaccare il ritmo e di smorzare l'attenzione dello spettatore.

Vivarium rimane un horror sci-fi psicologico stimolante e visivamente originale, sorretto da ottime interpretazioni. Ma l'esperimento si può dire riuscito a metà: un'ottima intuizione di partenza, che avrebbe però giovato di qualche variazione sul tema in più.

Chef, il Jean Reno che non ti aspetti

Con Chef, il regista Daniel Cohen firma una commedia francese leggera, brillante e saporita, capace di regalare un'ora e mezza di puro intrattenimento senza alcuna pretesa di rivoluzionare la storia del cinema. Non siamo certo di fronte a un capolavoro della settima arte, ma il film non cerca mai di esserlo: il suo unico obiettivo è divertire con garbo, e lo centra in pieno.

A sostenere l'intera architettura comica c'è un'affiatata coppia d'attori che funziona alla perfezione, guidata da un superbo Jean Reno nei panni di Alexandre Lagarde, celebre e inflessibile chef stellato in crisi creativa e familiare, minacciato anche dalle logiche finanziarie della haute cuisine d'avanguardia. Al suo fianco troviamo Michaël Youn nei panni di Jacky, un giovane talento autodidatta dall'istinto infallibile ma dal carattere impossibile.

L'incontro scontro tra la rigidità istituzionale del vecchio maestro e l'esuberanza indisciplinata della nuova leva genera una serie di equivoci e situazioni comiche godibilissime, tra cui spicca la sequenza esilarante in cui i due si travestono da clienti giapponesi per spiare la concorrenza molecolare. La scenografia culinaria è curata nei minimi dettagli, trasformando ogni piatto in un piccolo spettacolo visivo che farà la gioia dei buongustai.

Anche se la trama segue binari ampiamente prevedibili e i buoni sentimenti trionfano come da manuale, il film mantiene un ritmo frizzante, battute ben assestate e un'atmosfera calda e rassicurante. È la classica pellicola "feel-good", un'ottima ricetta antistress ideale per una serata disimpegnata, che lascia in bocca il sapore piacevole delle commedie d'altri tempi e (forse) la voglia di mettersi ai fornelli.

H.G. Wells aveva previsto il futuro

Due secoli di sonno e Graham si risveglia nella Londra del 2100, scoprendo di essere diventato, suo malgrado, l'uomo più ricco e potente del mondo. Peccato che il futuro che lo aspetta sia tutt'altro che rassicurante.

In Londra 2100: il risveglio del dormiente, H.G. Wells immaginava già alla fine dell'Ottocento megalopoli alienanti, sorveglianza onnipresente, strapotere dei mass media, pubblicità ovunque su mega schermi e una società spaccata tra pochi privilegiati e una massa di lavoratori sfruttati.

Un romanzo visionario e inquietante, ma anche segnato dai pregiudizi del suo tempo. Insomma, un classico tutt'altro che innocente, che vale ancora la pena di rileggere.

Ho provato a raccontarne luci e ombre nella mia recente recensione per Libri e Parole.

Leggi la recensione di “Londra 2100” di H.G. Wells

I villeggianti, quando un film affoga nell'autoreferenzialità

I villeggianti di Valeria Bruni Tedeschi è un’opera che mette a dura prova la pazienza dello spettatore, posizionandosi in quel territorio ambiguo dove il confine tra confessione intima ed esercizio di auto-indulgenza diventa sottilissimo. 

Ambientato nella cornice da sogno di una villa in Costa Azzurra, il film mette in scena un microcosmo borghese paralizzato dalle proprie nevrosi, dai lutti non elaborati e da una diffusa incapacità di comunicare. 

La regia sceglie deliberatamente di annullare qualsiasi struttura drammaturgica tradizionale: non vi è un vero intreccio, né uno sviluppo o un climax risolutivo. La narrazione procede per inerzia, frammentata in una successione di bozzetti e conversazioni che galleggiano senza una meta precisa. Se l’intento era quello di evocare un’atmosfera cecoviana, declinata secondo i canoni di un cinema d’autore francese istintivo e sfilacciato, il risultato finale rischia di scivolare frequentemente nella noia. 

A salvare la pellicola da un totale naufragio è esclusivamente la prova dell’ottimo cast corale, da Valeria Golino a Riccardo Scamarcio, fino alla stessa regista (che infatti preferisco come attrice). Gli interpreti si muovono con estrema naturalezza sul filo dell’improvvisazione, capaci di passare dal registro farsesco al dramma nel giro di una battuta, donando sprazzi di autentica verità ai rispettivi personaggi. Tuttavia, il talento degli attori non basta a colmare la mancanza di una guida narrativa solida: lasciati liberi di muoversi all'interno di un racconto programmaticamente inconcludente, finiscono per girare a vuoto. 

Il film rimane un’opera fortemente autoreferenziale e opaca, un flusso di coscienza cinematografico che saprà affascinare solo gli estimatori più accesi della cifra stilistica di Bruni Tedeschi, lasciando chi cerca un racconto strutturato con una forte sensazione di irrisolto.